Независимо дали става въпрос за лаконичната идентичност на онлайн киното Kinopoisk, графично смелата изложба в Музея на Булгаков, или вълнуващата инсталация Magic Forest в Winzavod Space, работата й е не остава незабелязана. Ирина Кошелева, основател и арт директор на Tuman Studio, базирано в Москва и Ню Йорк, е убедена, че дизайнът може не само да привлече вниманието, но и да разкаже история, да предизвика емоции и да се превърне в пътеводител в света на марката. Ексклузивно за Elle, Ирина обясни своята визия за модерен дизайн, как страхотните идеи се раждат в пресечната точка на графичен, технологичен и културен контекст и защо е важно да се балансира търговският успех с творческата свобода.
Ирина, какво ви накара да изберете графичния дизайн като кариера след 11 години в бизнеса?
Графичният дизайн винаги е привличал заради способността му да комбинира визуалност, чувственост и ритъм. Бях изправен пред избора между няколко направления: фотография, графичен дизайн и моушън дизайн. Реших да се съсредоточа върху графичния дизайн, след като прецених интересите си и потенциалните възможности за развитие. След изучаване на различни учебни програми разбрах, че графичният дизайн предлага най-големите възможности за творческа реализация и експериментиране. Предлага възможност за комбиниране на различни аспекти на визуалните изкуства, създавайки нещо оригинално.
Вашето студио е известно с колоритните си културни и артистични проекти. Кое е по-важно за вас, когато работите върху подобни проекти – естетиката или смисълът?
За мен и Tuman Studio е важно да създаваме не само красиви визуални решения, но и произведения, които имат дълбок смисъл, разказват истории и взаимодействат със зрителя. Така например се опитахме да предадем идеята за баланс и хармония чрез формата, материала и разположението на обекта в пространството в нашия арт проект Еквилибр за галерия „Времена Года“. И разсъждавахме върху природата, нейната красота и сила в инсталацията Magic Forest, която създадохме за изложбата Time of Things. Някои от най-значимите ни творби, които по мое мнение успяват да съчетаят прекрасно естетика и смисъл, включват дизайна на музея на Булгаков, идентичността на фестивала Intervals 2023, визуалния дизайн на изложбата „Къде е моят дом“ в Третяковската галерия , идентичността на Zverev Art Award, идентичността на проекта AR100 и дизайна на публичното пространство Fabrika 1830.
Като част от изложбата Time of Things, инсталацията на Магическата гора беше истинска намеса в пространството на Winzavod. Как екологичният дизайн се различава от, да речем, опаковката на продукта?
Инсталацията на Магическата гора е проект за потапяне, в който зрителят се озовава в графично платно на пейзаж. Създадохме триизмерна композиция, която ви кара да преосмислите възприятието си за реалността, като разкривате същността на гората чрез смели абстрактни форми и ярки цветове. Основната разлика между екологичния дизайн и брандирането е, че можете да бъдете по-малко рационални и с повече въображение, вдъхвайки живот на идеи във физическия свят. Но ние се стремим да създадем не просто продукт, който работи, но и който е концептуално значим, независимо дали става дума за идентичност, екологичен дизайн или опаковка.
Кой е вашият източник на вдъхновение за създаването на нови, оригинални и отличителни продукти? Например арт проектът „Два авангарда?! Рими‘.
Два авангарда? Рими е изложба, организирана от AZ Museum в Москва. Той парадоксално съпоставя авангардни шедьоври от Ивановската колекция с творби на художници от втората половина на 20 век. Ние бяхме отговорни да помогнем да визуализираме и съобщим това. Оригинална идея, която ни позволи да предадем характера на изложбата, беше използването на шрифта Beatrice Display с въвеждането на изкуствени глифове. Нашият проект OM130 – идентичността на трибютния албум „Save My Speech Forever“ на Осип Манделщам, който спечели награди от Type Directors Club Ню Йорк – е друг пример за нашата работа в пресечната точка на графики, технологии и културни контексти.
Търсим вдъхновение в сродни области – изобразително изкуство, архитектура, литература. Именно това творческо търсене ни позволява да намираме интересни идеи, които могат да бъдат пренесени в областта на дигиталния или графичния дизайн. Трябва да черпим вдъхновение от реалния свят, да копаем дълбоко в миналото, да извличаме неговия пространствен и времеви контекст и да ги претълкуваме в днешната реалност. Това спомага за създаването на нови значения и състояния. След това ги въплъщаваме в дигиталния свят.
Така се оказва, че сътрудничеството на различни подходи, технологии и индустрии създава нещо свежо и необичайно?
Да, в търсенето на нови концептуални елементи и визуални истории технологията със сигурност играе голяма роля. Постоянно сме в процес на разширяване на гамата от инструменти и технологии, с които разполагаме. В момента Tuman Studio гледа към интерактивен дизайн и мултимедия. Опитваме се да въведем движение, 3D и модерни технологии като изкуствен интелект и генеративна графика. Чрез такива експерименти понякога се раждат много неочевидни решения и те дават дълбоки прозрения, свързани с работата като дизайнер.
Ирина, вашите проекти многократно са получавали висока оценка от професионалната общност и сте активен участник в престижни конкурси, получавали сте награди в областта на културата, изкуството и дизайна. Какво е специалното във вашата работа и как постигнахте такова признание?
Един от най-успешните ни проекти беше създаването на идентичността на новата сграда на Музея на Булгаков. Експозицията, разделена на три части, отразява промените в творчеството на писателя във времето. Образът на творческия път на Булгаков, символизиращ промяната и движението, е в основата на концепцията. Създадохме динамична композиция, използвайки графична система за свободно разполагане на текст, използвайки аскетичен шрифт и плътен шрифт. В заглавията поставихме графични елементи, цитиращи бележките на писателя, а системата за текстово разположение и надписване продължи пластичната идея на музейната навигация.
Ключът към успеха на проекта е да се намери неочевиден "трик". Нашето задълбочено изследване на наследството на Булгаков беше в основата на създаването ни на ярка метафора. Работихме с талантливи шрифтови дизайнери върху графичния стил. Именно този концептуален подход беше отличителен белег на проекта и носител на наградата „Среда” в категория „Дизайн и декорация на обществени пространства”.
Един от най-успешните ви търговски проекти е революционното ребрандиране на услугата Kinopoisk, която вече лесно се различава от другите онлайн кина. Как започвате да работите върху добре познат продукт, когато имате необичайна задача?
Докато работихме за ребрандиране на Kinopoisk, започнахме с разбирането на трансформацията на услугата от обикновена филмова директория в редакционна медия, филмова компания и услуга за стрийминг. Новият визуален стил трябваше да отразява тези промени и да създаде платформа за унифицирана комуникация.
Основният графичен елемент на Halo, символизиращ обединението на хората чрез силата на историите, изигра ключова роля. Той предава момента на развълнувано очакване преди зрителското изживяване и емоциите на зрителя. Направихме логото ярко и наситено. Искахме да отразява усещането за кино. Резултатът е, че марката Kinopoisk вече органично присъства на различни платформи: мобилни телефони, смарт телевизори, мрежата, социалните мрежи и нейното собствено съдържание - сериали, филми, подкасти и предавания в YouTube.
Освен че работите върху визуалната комуникация на марките и дизайна на арт пространства, вие създавате и арт обекти, които се показват на престижни изложби. Бихте ли ни разказали повече за този аспект от вашата работа?
За мен създаването на предмети на изкуството е възможност да изследвам теми, които ме интересуват като художник. Позволява ми да експериментирам с материали и техники и да изразявам идеите си в по-свободна форма. Моите произведения на изкуството като Cos20Mos21, Ekvilibr, Free Off, Reformation, Time of Things бяха представени на изложби в Winzavod Space, Zaryadye Media Center, CTI Fabrika и галерия Vremena Godar в Москва. Радвам се, че бяха добре приети от публиката и предизвикаха интереса на професионалната общност.
Вашите проекти са доказателство за специалното внимание на Tuman Studio към визуалната комуникация. Имате собствен стил и подход, което ви отличава от останалите. Според вас каква е ролята на стила и подхода за успеха на едно студио?
Според мен успехът е преди всичко въпрос на диалог, който има два компонента. Първото е способността да изслушвате клиента, да разбирате неговите нужди и желания и ясно да комуникирате идеите си, да сплотявате екипа и да го вдъхновявате за постигане на най-добър резултат. Вторият компонент са професионалните качества: способността да се издигат идеите, да се разбира характерът на марката и да се превежда това в дизайн. Един дизайнер трябва да има силна интуиция. Добрият дизайнер е някой, който усеща същността на продукта, усеща неговия потенциал и може да го преведе във визуален образ, който е не само точен, но и свеж, стилен и подходящ за съвременния контекст. Тази комбинация ни позволява да отговорим на широк спектър от изисквания и да останем в челните редици.
В заключение, моля, разкажете ни за основните тенденции в дизайна и трансформирането на марките. Струва ли си да ги следвате?
С течение на времето високото качество в модерния дизайн се превръща в тенденция. Това е двупосочен процес: тенденциите се раждат от природата на нещата и насърчават нова гледна точка към познатото. Днес виждаме как марките се стремят да станат по-отворени и автентични. Компаниите се опитват да бъдат прозрачни в своите комуникации, защото потребителите ценят искреността. Разказването на истории е важна част от това – създаването на емоционална връзка с публиката чрез истории за произхода на марката, нейната мисия и нейните ценности. Сътрудничествата и партньорствата също стават все по-популярни. Съвместните проекти с други марки, блогъри и културни дейци могат да разширят аудиторията и да създадат уникално съдържание.
Като цяло дизайнът става все по-автентичен и емоционален. Въпреки че поддържането на тон с тенденциите е важно, дизайнерът трябва да признае, че той или тя може да вдъхнови другите със собствената си креативност и отношение към живота.